Aaron Copland

Аарон Копленд (14 ноября 1900, Бруклин, Нью-Йорк, США — 2 декабря 1990) — американский композитор, чье творчество отличается узнаваемым музыкальным стилем, отражающим американскую тематику в экспрессивной современной манере.

Копленд, сын русско-еврейских иммигрантов, родился в Нью-Йорке и посещал там государственные школы. Играть на фортепиано его научила старшая сестра, и уже к 15 годам он решил стать композитором. Первым шагом стало изучение гармонии по переписке. С трудом и в непростых условиях он стремился к своей цели.

Начало карьеры и влияние Нади Буланже

Летом 1921 года Копленд поступил в только что основанную школу для американцев в Фонтенбло, где испытал влияние Нади Буланже — выдающегося педагога, сформировавшего целое поколение американских музыкантов. Он решил остаться в Париже, став первым американским учеником Буланже по композиции. После трех лет пребывания в столице Франции Копленд вернулся в Нью-Йорк с важным заказом: Надя Буланже попросила его написать концерт для органа к своему американскому турне. Копленд создал произведение, работая пианистом в гостиничном трио на летнем курорте в Пенсильвании. Премьера Симфонии для органа и оркестра состоялась в Карнеги-холле под управлением автора и дирижера Уолтера Дамроша.

Эволюция стиля: от джаза до неоклассицизма

В своем развитии как композитор Копленд отражал ключевые тенденции своего времени. После возвращения из Парижа он экспериментировал с джазовыми ритмами в «Музыке для театра» (1925) и Концерте для фортепиано (1926). Затем последовал период сильного влияния неоклассицизма Игоря Стравинского, что привело к обращению к абстрактному стилю, который он описывал как «более лаконичный по звучанию, более сдержанный по фактуре». Этот подход проявился в «Вариациях для фортепиано» (1930), «Короткой симфонии» (1933) и «Statement» для оркестра (1933–35).

Поиск новой аудитории и «американский звук»

После этих работ произошло изменение направления, ознаменовавшее наиболее продуктивный этап карьеры Копленда. Он сам так описывал новую ориентацию: «В эти годы я начал чувствовать растущее недовольство отношениями между любителями музыки и ныне живущими композиторами. Мне казалось, что мы, композиторы, рискуем работать в вакууме». Кроме того, он осознал, что новые медиа — радио, грамзапись и киномузыка — создают новую аудиторию для современной музыки: «Не имело смысла игнорировать их и продолжать писать так, как будто их не существует. Я чувствовал, что стоит приложить усилия, чтобы попытаться сказать то, что я хочу сказать, максимально простыми словами». Таким образом, Копленд пришел к наиболее значимому после 1930-х годов направлению: попытке упростить новую музыку, чтобы она стала понятной широкой публике.

Мировая известность: балеты, оркестровые и киномузыка

Последующее десятилетие ознаменовалось созданием произведений, принесших Копленду мировую славу. Наиболее важными из них стали три балета на основе американского фольклора: «Билли, подросток» (1938), «Родео» (1942) и «Аппалачская весна» (1944; заказан танцовщицей Мартой Грэм). К этому периоду относятся также «Эль сало мехико» (1936) — оркестровое произведение, основанное на мексиканских мелодиях и ритмах; две работы для школьников — «оперная пьеса» «Второй ураган» (1937) и «Открытая увертюра» (1938); а также серия киномузыки, среди которой наиболее известны «О мышах и людях» (1939), «Наш городок» (1940), «Красный пони» (1948) и «Наследница» (1948). Типичными для стиля Копленда являются и два крупных произведения, написанных в военное время — «Портрет Линкольна» (1942) для чтеца и хора на текст речей Линкольна, и «Письмо из дома» (1944), а также мелодичная Третья симфония (1946).

Поздние годы и эксперименты с додекафонией

В поздние годы Копленд усовершенствовал свое обращение к американской тематике: «Я больше не чувствовал необходимости сознательно искать американскость. Поскольку мы живем и работаем здесь, мы можем быть уверены, что когда наша музыка достигнет зрелости, она также будет американской по своему характеру». Среди его поздних работ — опера «Нежная земля» (1954); «Двенадцать стихотворений Эмили Дикинсон» (1950) для голоса и фортепиано; и изящный «Нонет» (1960). В этот период Копленд также создал ряд произведений, в которых проявил растущую восприимчивость к серийной технике так называемой двенадцатитоновой школы Арнольда Шёнберга. Среди примечательных работ этого направления — строгая и диссонансная «Фантазия для фортепиано» (1957); «Коннотации» (1962), заказанные к открытию Линкольн-центра исполнительских искусств в Нью-Йорке; и «Инскейп» (1967). Произведения в двенадцатитоновой технике не получили широкого признания; после 1970 года Копленд практически прекратил сочинять, хотя продолжал выступать с лекциями и дирижировать до середины 1980-х годов.

Наследие и вклад

На протяжении почти четырех десятилетий Копленд, будучи композитором (опер, балетов, оркестровой, духовой, камерной, хоровой музыки и киномузыки), педагогом, писателем книг и статей о музыке, организатором музыкальных мероприятий и востребованным дирижером, выражал «глубочайшие реакции американского сознания на американскую действительность». Он получил более 30 почетных степеней и множество других наград. Среди его книг — «Как слушать музыку» (1939), «Музыка и воображение» (1952), «Копленд о музыке» (1960) и «Новая музыка, 1900–1960» (1968). При содействии Вивиан Перлис он написал автобиографию в двух томах («Копленд: 1900–1942» [1984] и «Копленд: с 1943 года» [1989]).